PR: FORMALIZACIÓN DEL PROYECTO
INTRODUCCIÓN
Se trata de un proyecto visual, formado por siete láminas realizadas por varias técnicas. Desde la fotografía hasta la pintura, el collage y el retoque digital.
La exposición establece una analogía entre el desarrollo de la historia humana y la figura de la mujer.
Los materiales, las texturas y la composición de las imágenes serán los encargados de establecer esa relación de un modo sutil. Estos, acompañados de un escrito simbólico al pie de cada obra permiten al observador la mejor comprensión del proyecto en su conjunto.
PROPUESTA
Este proyecto está pensado para la instalación de una pequeña exposición en el Centro cultural de Jesús, en Ibiza.
Este espacio polivalente alberga en la entrada un amplio corredor acristalado, muy iluminado por luz natural. Dispone de raíles y ganchos para la instalación de cuadros y sería perfecto para colocar las obras una vez enmarcadas. Las pequeñas inscripciones al pie de las obras se instalarán adheridas a la pared. Serán láminas de madera reciclada manuscritas por una persona distinta en cada caso, desde niñ@s a ancian@s.
Lo ideal, sería inaugurarlo el 8 de marzo, día internacional de la mujer. A nivel cultural estaría acompañado por otras actividades que se promocionan/promueven por la causa. Mi muestra podría ser la introducción de un recorrido artístico anunciado por ayuntamientos u otras entidades públicas que hacen uso de otras salas del mismo espacio para exponer esculturas, material audiovisual, etc.
Normalmente las muestras de corta duración como ésta, se exponen durante una semana o quince días. Para completar y acompañar el recorrido en dos días puntuales se podría contactar con algún grupo musical de la isla formado por mujeres, o mixto, para crear un ambiente dinámico y menos sobrio.
MUESTRA
Título: BIG BANG
Autora: Raquel Torres Planells
Fecha: Noviembre 2020 – Enero 2021
Técnica: Fotografía, acrílico y collage sobre papel en tabla.
Materiales: Impresión en papel de alto gramaje sin satinar, láminas fragmentadas de pan oro, sal marina teñida con pintura acrílica y pigmentos de zinc.
Dimensiones: Lámina 42 x 59,4 cm. Enmarcado 56 x 73,4 cm.
Inscripción: “Siempre nos preguntamos sobre el origen del universo, del mismo modo que una madre se pregunta cómo será la vida del ser que alberga en su vientre”.
Título: PRIMITIVA
Autora: Raquel Torres Planells
Fecha: Noviembre 2020 – Febrero 2021
Técnica: Fotografía, acrílico y pigmentos naturales.
Materiales: Fotografía en papel de alto gramaje sin satinar, pigmentos acrílicos y tierra roja.
Dimensiones: Lámina 42 x 59,4 cm. Enmarcado 56 x 73,4 cm.
Inscripción: “Erguida, caminó en dirección a un futuro incierto”.
Título: PREINDUSTRIAL
Autora: Raquel Torres Planells
Fecha: Noviembre 2020 – Febrero 2021
Técnica: Fotografía, acrílico.
Materiales: Fotografía en papel de alto gramaje sin satinar, pintura acrílica y hojas naturales para su estampación.
Dimensiones: Lámina 42 x 59,4 cm. Enmarcado 56 x 73,4 cm.
Inscripción: “Ella no lo decidió así, pero cuidó de él hasta que se erigió alto y fuerte”.
(en proceso)
Título: REVOLUCIÓN INDUSTRIAL
Autora: Raquel Torres Planells
Fecha: Diciembre 2020 – Marzo 2021
Técnica: Fotografía, acrílico y collage.
Materiales: Algodón deshilachado y carbón, ceniza y plumas naturales. Marcado con acrílico.
Dimensiones: Lámina 42 x 59,4 cm. Enmarcado 56 x 73,4 cm.
Inscripción: “Sus ideas la hicieron grande. Aún enjaulada se hizo valer”.
(en proceso)
Título: 60’S-EÑORITA
Autora: Raquel Torres Planells
Fecha: Diciembre 2020 – Marzo 2021
Dimensiones: Lámina 42 x 59,4 cm. Enmarcado 56 x 73,4 cm.
Inscripción: “Eso no es propio de una señorita. Cuántas ilusiones estranguladas por siete palabras”.
(en proceso)
Título: 80’S
Autora: Raquel Torres Planells
Fecha: Noviembre 2020 – Febrero 2021
Técnica: Fotografía, acrílico y collage.
Materiales: Arpillera, óleo, encaje para estampación, tul.
Dimensiones: Lámina 42 x 59,4 cm. Enmarcado 56 x 73,4 cm.
Inscripción: “Eres poderosa cuanto quieras – se dijo mientras nadie podía oírla”.
Título: NI UNA MÁS
Autora: Raquel Torres Planells
Fecha: Noviembre 2020 – Marzo 2021
Técnica: Fotografía, retoque digital, pintura spray y collage.
Materiales: Fotografía en papel de alto gramaje sin satinar, lámina de plata, pintura laca en spray.
Dimensiones: Lámina 42 x 59,4 cm. Enmarcado 56 x 73,4 cm.
Inscripción: “Cincuenta y cinco puñaladas de intolerancia y cobardía”
Detrás de la pared
1. Imágenes y ficha técnica
Ficha técnica
- Laura de Francisco Campillo
- Detrás de la pared I
- Enero de 2021
- Acrílico y acero sobre panel
- 28 x 35 cm
Ficha técnica
- Laura de Francisco Campillo
- Detrás de la pared II
- Enero de 2021
- Acrílico y acero sobre panel
- 28 x 35 cm
2. Descripción
Detrás de cada pared se esconde una presencia. Hay un muro que esconde aquello que nos avergüenza o aquello que nos llena de orgullo. Hay un delante y un detrás, lo que vemos y lo que no, lo escondido y lo visible. Nuestra percepción se ve definida tanto por nuestras experiencias como por nuestra imaginación, que nos hace llenar los huecos de la realidad.
Toda unidad se duplica ya que cada situación tiene dos caras: ¿nos quedamos con la azul o la roja? ¿Qué vemos en cada color? ¿El optimismo o la seriedad? ¿Juventud o experiencia? ¿Feminidad o masculinidad? ¿Inconformismo o autoridad? Depende de nosotros y de nuestra simetría imperfecta.
3. Propuesta de exposición
Público
A pesar de que las obras que he creado no tienen un público específico, sí que incluyen elementos que son reconocidos fácilmente por la gente que vive en Haití. Por un lado, el metal reciclado se ve por todas partes, se utiliza para vallas, tejados y puertas improvisadas, para cerrar aquellos espacios que quedan abiertos. Por otro, las “casas de jengibre” son también uno de los elementos característicos de Puerto Príncipe, hasta el punto que se incluyeron en el 2020 en el World Monument Fund. Estas casas se caracterizan por sus frisos de madera decorativa y son un importante ejemplo del estilo arquitectónico postcolonial.
Lugar o tipo de espacio
El lugar donde me gustaría mostrar mis obras sería un espacio de exposición accesible, un tipo de galería de arte, pero sin la seriedad de ésta. En el lugar donde vivo, Haití, tengo en mente un café restaurante que organiza exposiciones temporales y tiene cuadros a la venta en sus paredes. Café 36 , situado en la planta baja del hotel La Lorraine, ofrece un menú que mezcla la cocina haitiana con platos internacionales. Por ello, atrae tanto a locales como a extranjeros, que es una audiencia a la que podría resonar mi mensaje.
Necesidades técnicas
He escogido un tamaño muy manejable para mis obras que creo que puede ser expuesto fácilmente. Solo hace falta un pared donde colgarlas y espacio alrededor para poder verlas.
Duración
Al ser una pequeña cantidad de obras y estar colgadas en un lugar en el que el público va frecuentemente, pero no cada día, me gustaría que pudieran estar expuestas un mes. Incluso sin gran publicidad (que sería por la página de Instagram del restaurante donde ya anuncian otros eventos o exposiciones) el público regular tendría la posibilidad de verlas.
PEC 4.1: Espejo – Evaluación entre pares
1. INTRODUCCIÓN
La inspiración para este proyecto surgió a partir de los sonidos generados por mi ordenador. Al realizar el inventario sobre lo cotidiano me di cuenta de que pasaba muchas horas en el ordenador y decidí usarlo como base para el proyecto. Cuando empecé a realizar los diversos inventarios me di cuenta que todos ellos utilizaban un formato visual o textual y por ello decidí centrarme en los aspectos más sonoros, ya que a pesar de que siempre están ahí, hasta entonces no les había prestado atención. A partir de ese momento me propuse comenzar a indagar y experimentar con ellos. En un principio, quería centrarme principalmente en el sonido de lo cotidiano y llamar la atención sobre este sentido, porque creo que siempre lo visual tiene más peso, sobre todo ahora que vivimos bombardeados constantemente por imágenes. Sin embargo, tras realizar la investigación sobre el contexto me di cuenta que muchos de los artistas mezclaban lo visual con lo sonoro, o, si se centraban únicamente en lo sonoro, eran piezas más bien ligadas al performance o a la interacción entre el público y algún elemento que permitía percibir nuevos matices del sonido. Por todo ello, decidí no centrarme únicamente en el sonido y experimentar con la capacidad del sonido para producir imágenes.
Al realizar este proyecto no he buscado un fin en particular, más bien, lo que he pretendido es experimentar y trabajar con aquéllos sonidos que se generan mientras estoy en el ordenador y, que a pesar de formar parte de mi cotidianidad, nuca les había prestado atención. En el camino he ido descubriendo cómo éstos pueden ser un medio para la creación sonora y visual y me han permitido desarrollar tres ramas distintas en el proyecto. Una que mezcla el sonido con vídeo, otra que mezcla sonido e imagen fija y una última que se aleja de los sonidos del ordenador y se basa puramente en la interacción del sonido con lo visual.
2. GRABACIÓN DE SONIDOS
El punto de partida para la materialización del proyecto fue empezar a grabar los sonidos generados por mi ordenador mientras trabajaba en él. Para ello, utilicé micrófonos piezoeléctricos -cuya ventaja es que, al recibir las vibraciones únicamente a través de un sólido permiten aislar muy bien el sonido a captar de las interferencias de otros sonidos del ambiente- conectados a una mesa de mezclas y ésta al ordenador a un programa de grabación (Audacity).
Algunos de los registros obtenidos fueron los siguientes:
un click ratón
doble click derecho
ratón y clicks
ratón y clicks 2
ratón y clicks 3
teclado
ventilador grande (CPU)
ventilador grande 2 (CPU)
ventilador grande 3 (CPU)
3. ESPECTROGRAMAS
En un primer acercamiento lo que empecé a hacer fue obtener los espectrogramas (o también llamados sonogramas), que son la representación gráfica del espectro de frecuencias de la emisión sonora y revelan características que no pueden apreciarse dentro de los límites de frecuencia del oído humano, como por ejemplo las altas frecuencias o modulaciones de amplitud. Los espectrogramas me permitieron visualizar el sonido y a partir de ellos surgieron dos ideas. La primera fue utilizarlos y crear videos a partir de ellos y la segunda crear imágenes fijas. Esos espectrogramas de alguna manera actuaron como los primeros bocetos. Al tratarse de temas sonoros que son, de cierta manera, intangibles. No he realizado apenas bocetos y los resultados que he ido obteniendo han sido más bien a base de intuición, ensayo y error, y de probar técnicas diferentes tanto con el software de grabación, como en los programas de edición de vídeo (Adobe Premiere y After Effects) como de fotografía ( Photoshop).
Los espectrogramas los obtuve utilizando un programa que se llama Spek y un ejemplo es el siguiente:
4. SONIDO + VIDEO
En un primer momento pensé en hacer vídeos en los que se fuera haciendo un recorrido por el espectrograma o, también, de alguna manera hacer que el video interactuara con el sonido. Sin embargo, cómo no se utilizar muy bien los programas de edición de vídeo no he podido hacer bien lo que tenía en mente y he guardado esta idea para otro momento en el que tenga más tiempo para poder dedicarle el tiempo suficiente y obtener los resultados que me gustaría.
5. SONIDO + IMAGEN FIJA
Para estas piezas he utilizado como base los espectrogramas obtenidos a partir de las grabaciones de los sonidos del ordenador. Para obtener algunos de los espectrogramas he modificado un poco la intensidad de los sonidos, su balance o la repetición para generar formas más sugerentes. Posteriormente, he cogido los espectrogramas que me resultaban más interesantes, e intentando no modificar su forma (qué es la esencia del sonido), he jugado con los colores y la estética para que resulten más atractivos y así invitar al espectador a escuchar lo que se esconde tras las imágenes. De cara a una exposición he pensado que tal vez se podrían presentar los videos tal cual los comparto aquí o bien imprimir las imágenes a modo de lienzo y añadir unos casos a un lado de la pieza o un código QR para que la gente pueda escuchar el sonido.
6. SONIDO + ARDUINO + PINTURA TERMOCROMÁTICA
Esta idea se me ocurrió mientras estaba realizando los otros experimentos al pensar cómo se podía hacer para que el público pudiese interactuar de manera activa con la obra y que el sonido, de alguna manera, pudiera tener mayor protagonismo que lo visual. Para ello, lo que tengo pensado hacer -pero todavía no he podido terminar, ya que se tratan de temas nuevos para mí y tengo que investigar y pedir ayuda a conocidos- es que a partir del sonido se borre una frase escrita con pintura termocromática en en el lienzo. La pintura termocromática que he conseguido es negra y cuando recibe calor se vuelve transparente. Con la ayuda de un Arduino la idea es que este detecte el sonido (por ejemplo, un grito) y active una fuente de calor que haga que la pintura se vuelva transparente y se borre la frase escrita en el lienzo. He empezado a realizar algunas pruebas pero todavía me falta arreglar algunos detalles, espero poder tenerlo acabado antes de finalizar el proyecto.
La frase escogida es «insert subject here» ya que en inglés, la palabra «subject» se puede referir tanto a un objeto como a una persona. De esta forma el cuadro podría servir como un especie de catarsis en la que a través de la voz el público pueda interactuar con el cuadro y borrar la imagen.
En estas imágenes se muestra el Arduino con el micrófono ya conectado para poder captar el sonido, ahora lo que queda por resolver es conectarlo a un hilo que transmita calor al lienzo para poder activar la pintura y que ésta se borre
En este vídeo muestro el lienzo ya con la frase escrita y cómo pretendo que funcione una vez conectado al Arduino. Sin embargo, para poder mostrarlo ahora he utilizado una fuente de calor externa, en lugar de la voz, para activarlo.
PEC 4.1: Espejo – Evaluación entre pares
Buenas tardes a todas y todos, comparto con vosotros mi proyecto en formato pdf para mejor visualización.
Comentar que en las primeras diapositivas veréis de forma gráfica el camino que estoy siguiendo, junto con una explicación final. Si alguno o alguna lo desea, podría incluso dar una opinión en base solo a las fotografías. Aclarar también que mis dudas se plantean de manera abierta y vuestro punto de vista es bienvenido.
Un saludo.
Proyecto 1. PEC 3. Visionado vídeos Grid Spinoza. Metodología proyectos artísticos.
1. Introducción
En este texto se hablará sobre la metodología y otros aspectos que intervienen en el proceso de creación de un proyecto de tres artistas diferentes, en base a la lectura de unas entrevistas sobre el asunto.
Se comentará la entrevista a los siguientes artistas:
- Mireia Sallarès
- Dora García
- Roc Parés
2. Desarrollo
2.1 Mireia Sallarès
En primer lugar, se analizará la metodología de la artista transdisciplinar, como ella misma se define. Esta autora trabaja en torno a la entrevista y la edición de vídeo como herramienta personal de las experiencias vividas por otras personas.
La metodología de Sallarès se divide en dos etapas diferenciadas: una primera no lineal y poco ordenada con una fuerte base de documentación y trabajo de campo y una segunda etapa más tecnológica en torno a la edición de vídeo. En la primera etapa reflexiona en torno a entender lo que hace y en la segunda analiza el cómo está contando su proyecto, siendo un proceso más controlado.
Existe cierto azar en su obra en el sentido de que la base de su obra gira en torno a la experiencia de personas a las que entrevista, por lo que es un factor que se puede marcar como azaroso.
También incluye de manera muy significativa el ensayo y error, para esta artista el error es algo que debe formar parte de su proyecto, según ella “la belleza si no tiene error es estéril.”
Además, sus proyectos son lineales, pero presentan, en ocasiones, una ventana al cambio de sentido desde un factor cronológico. Es decir, sus entrevistas dan lugar a una segunda interpretación. Es evidente que la vida de las personas cambia e incluso el hecho de entrevistar a alguien puede generar que esa persona reflexione con mayor profundidad sobre lo que ha contado.
2.2 Dora García
En esta entrevista la artista Dora García habla sobre su metodología de trabajo, poniendo como principales ejemplos obras del tipo performance.
Principalmente, dedica en torno a un año a la bibliografía del tema en cuestión, sin llegar a ser especialista. Una vez generados esos conocimientos, levanta una red de actores humanos que enlaza unos con otros. Es lo que la artista llama “sistema de red”.
El error es un elemento que Dora García no considera como tal en un significado más formal de la palabra, puesto que se adapta a las circunstancias que van surgiendo. No considera que haya error de manera absoluto porque el proyecto nunca acaba siendo como se planearon.
En relación con esto, no cree que haya errores porque no fija un resultado fijo que se haya marcado al inicio del proyecto.
En cuanto al azar, es gran parte de su proyecto ya que enfoca su trabajo como un proceso que se alarga en el tiempo y en el que el artista tiene que dar con aquella idea que está por llegar, para ello la artista menciona el concepto de “eureka”, en comparación con la investigación científica. Según ella, el arte llega a finales abiertos en el que no hay una conclusión fija, parecido en cierta manera a la novela.
Por ello, se podría decir que sus proyectos son lineales pero alargados en el tiempo y siguiendo una línea azarosa, con rumbos inesperados, pero en un sentido claro de avance.
2.3 Roc Parés
En esta entrevista, el artista habla de su investigación artística en el ámbito del mundo universitario.
Principalmente, se introduce un tipo de investigación colaborativa y adisciplinar, enmarcada en ACTS (Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad). Para el artista, la investigación debe existir junto con la producción artística.
Sus proyectos se mueven en lo híbrido, el campo de la comunicación. En esa disciplina, obtiene una mezcla de lo humanístico y lo técnico.
Uno de los aspectos que critica es el problema de la cuantificación, que es evidente en la investigación científica, mientras que en la artística no es algo común. A lo que, además, hay que sumar una situación en España aún más precaria que la investigación artística.
En cuanto al error, Roc Parés sostiene de forma clara que es algo inherente al arte. Por lo tanto, para los artistas hablar de error no es hablar de fracaso. Además, el error se puede presentar tanto en la respuesta como en la pregunta.
3. Conclusiones
En general, se observa que la metodología de los artistas conlleva una investigación sólida de bibliografía tanto de actores humanos como no-humanos. Suelen ser proyectos alargados en el tiempo que requieren de encontrar la idea o el momento oportuno a través de la experimentación y el azar.
Además, en todos es común que el error no se considera como algo negativo en el arte sino como parte fundamental del proceso.
Bibliografía
García, D. (s.f.). Entrevista a Dora García. (G. Spinoza, Entrevistador)
Parés, R. (22 de 07 de 2010). Entrevista a Roc Parés. (G. Spinoza, Entrevistador)
Sallarès, M. (11 de 2009). Entrevista a Mireia Sallarès. (G. Spinoza, Entrevistador)
Metodologías de investigación
Tanto dentro del campo artístico como científico encontramos diferentes metodologías. Presento un resumen de las metodologías de dos artistas y una científica, basadas en entrevistas publicadas dentro de la web Grid Spinoza.
Listado de vídeos
- Mireia Sallarès
- Dora García
- Mara Dierssen
Mireia Sallarès (artista visual)
La metodología usada por la artista Mireia Sallarès se divide en dos etapas. Su práctica artística usa el vídeo como medio de expresión, y ella explica que la primera etapa es vital y orgánica, el momento cuando escoge el tema que va a realizar, la manera cómo va a hacer las grabaciones, el escenario, las personas y cuando realiza las tomas. Durante la segunda etapa, decide el medio final que va a usar teniendo en cuenta los límites de la tecnología o el soporte escogidos.
Su camino metodológico no es lineal ya que en su manera de trabajar la investigación (buscar bibliografía, discutir, leer, escuchar noticias) y el trabajo creativo están mezclados. En una entrevista en el CCCB (Sallarès, 2017), explica también que cree que los artistas hacen investigación, no solo cuando hacen un doctorado o similar, sino también durante la creación de su obra artística. Este camino se define sobre la marcha, teniendo en cuenta las sorpresas que pueden surgir y tomando como bandera la libertad de expresión. Esta libertad es algo que define a los artistas y que se debería tomar como modelo dentro de las humanidades.
El error forma parte de la metodología, es cuando un proceso se descontrola, pero también cuando el resultado ha salido «demasiado bien». En todo caso, el error es un proceso de aprendizaje, tanto personal como artístico. La belleza del resultado es convulsa y sin el error sería estéril.
Dora García (artista)
El método de la artista Dora García se divide en una fase de lectura seguida por el proceso en sí. Durante la primera fase de investigación se dedica a estudiar archivos, actas, fotografías y a hacer entrevistas. Teniendo en cuenta el formato final del proyecto artístico, que en la entrevista explica que era una exposición y un libro, durante la fase del proceso organiza toda la información recopilada por temas para darle sentido.
Para ella, el concepto de hipótesis significa formular la pregunta «qué pasaría si…?» y tratar de elaborar una historia a partir de las circunstancias del momento y lugar. Llegar al momento en qué encuentras tu camino es el momento que ella llama «eureka». Dentro del campo artístico puede pasar más rápido quizás que en el campo científico; explica que quizás estás buscando una solución unos días y no la encuentras, y de repente la tienes.
Piensa que no hay errores en sí, ya que hay tantos errores como aciertos. No hay errores, sino circunstancias y adaptaciones a las circunstancias. Los errores son educativos, ya que te pueden hacer cambiar de rumbo o enfoque. No es posible llegar a una conclusión dentro de la investigación artística, sino que lo que se busca es explicar una historia bien contada.
Mara Dierssen (científica)
Dentro del campo científico, el método se compone de las siguientes fases: formulación de la hipótesis, la experimentación y la interpretación de los resultados. Una vez se tienen los resultados, entran en el proceso del peer review para poder llegar a ser publicados. Este proceso es una aproximación experimental, la hipótesis se crea en base a las observaciones previas y el conocimiento que se tiene del problema. Primero tienes que saber qué quieres preguntar para poder hacerlo de manera adecuada.
A continuación se entra en la fase de experimentación. También puede pasar que a pesar de que el plan experimental sea coherente y meticuloso, el primer experimento puede no ser un éxito y hay que ser flexible para decidir cambiar el plan. La ciencia tiene que ser adaptable y flexible para poder introducir elementos creativos.
El resultado del proyecto es el poder contestar a la pregunta, a la hipótesis que se había formulado al inicio del proyecto. O quizás no se ha podido contestar, pero te das cuenta de que has contestado otra pregunta. El proceso de comprensión de un proyecto acaba cuando se explican los resultados a otra persona, al hacerlo comprensible.
Los experimentos erróneos muchas veces aportan más a la ciencia que los que tienen éxito. El saber determinar en qué medida es una fallo técnico o metodológico, o una realidad biológica que es como es y no coincide con lo que se esperaba, es muy importante. La vida del científico es de frustración constante y el error es un reto y un acicate para seguir.
Referencias
Dierssen, Mara (s.d.) Entrevista Mara Dierssen. Grid Spinoza. Disponible en https://www.gridspinoza.net/resources/entrevista-mara-dierssen
García, Dora (s.d.) Entrevista Dora García. Grid Spinoza. Disponible en https://www.gridspinoza.net/resources/entrevista-dora-garcia
Sallarès, Mireia (2017) Knowing, doing, understanding #1. CCCB. Disponible en https://www.cccb.org/en/multimedia/videos/mireia-sallares/226667
Sallarès, Mireia (s.d.) Entrevista Mireia Sallarès. Grid Spinoza. Disponible en https://www.gridspinoza.net/resources/entrevista-mireia-sallares
Metodologías de investigación
Tanto dentro del campo artístico como científico encontramos diferentes metodologías. Presento un resumen de las metodologías de dos artistas y una científica, basadas en entrevistas publicadas dentro de la web Grid Spinoza.
Listado de vídeos
- Mireia Sallarès
- Dora García
- Mara Dierssen
Mireia Sallarès (artista visual)
La metodología usada por la artista Mireia Sallarès se divide en dos etapas. Su práctica artística usa el vídeo como medio de expresión, y ella explica que la primera etapa es vital y orgánica, el momento cuando escoge el tema que va a realizar, la manera cómo va a hacer las grabaciones, el escenario, las personas y cuando realiza las tomas. Durante la segunda etapa, decide el medio final que va a usar teniendo en cuenta los límites de la tecnología o el soporte escogidos.
Su camino metodológico no es lineal ya que en su manera de trabajar la investigación (buscar bibliografía, discutir, leer, escuchar noticias) y el trabajo creativo están mezclados. En una entrevista en el CCCB (Sallarès, 2017), explica también que cree que los artistas hacen investigación, no solo cuando hacen un doctorado o similar, sino también durante la creación de su obra artística. Este camino se define sobre la marcha, teniendo en cuenta las sorpresas que pueden surgir y tomando como bandera la libertad de expresión. Esta libertad es algo que define a los artistas y que se debería tomar como modelo dentro de las humanidades.
El error forma parte de la metodología, es cuando un proceso se descontrola, pero también cuando el resultado ha salido «demasiado bien». En todo caso, el error es un proceso de aprendizaje, tanto personal como artístico. La belleza del resultado es convulsa y sin el error sería estéril.
Dora García (artista)
El método de la artista Dora García se divide en una fase de lectura seguida por el proceso en sí. Durante la primera fase de investigación se dedica a estudiar archivos, actas, fotografías y a hacer entrevistas. Teniendo en cuenta el formato final del proyecto artístico, que en la entrevista explica que era una exposición y un libro, durante la fase del proceso organiza toda la información recopilada por temas para darle sentido.
Para ella, el concepto de hipótesis significa formular la pregunta «qué pasaría si…?» y tratar de elaborar una historia a partir de las circunstancias del momento y lugar. Llegar al momento en qué encuentras tu camino es el momento que ella llama «eureka». Dentro del campo artístico puede pasar más rápido quizás que en el campo científico; explica que quizás estás buscando una solución unos días y no la encuentras, y de repente la tienes.
Piensa que no hay errores en sí, ya que hay tantos errores como aciertos. No hay errores, sino circunstancias y adaptaciones a las circunstancias. Los errores son educativos, ya que te pueden hacer cambiar de rumbo o enfoque. No es posible llegar a una conclusión dentro de la investigación artística, sino que lo que se busca es explicar una historia bien contada.
Mara Dierssen (científica)
Dentro del campo científico, el método se compone de las siguientes fases: formulación de la hipótesis, la experimentación y la interpretación de los resultados. Una vez se tienen los resultados, entran en el proceso del peer review para poder llegar a ser publicados. Este proceso es una aproximación experimental, la hipótesis se crea en base a las observaciones previas y el conocimiento que se tiene del problema. Primero tienes que saber qué quieres preguntar para poder hacerlo de manera adecuada.
A continuación se entra en la fase de experimentación. También puede pasar que a pesar de que el plan experimental sea coherente y meticuloso, el primer experimento puede no ser un éxito y hay que ser flexible para decidir cambiar el plan. La ciencia tiene que ser adaptable y flexible para poder introducir elementos creativos.
El resultado del proyecto es el poder contestar a la pregunta, a la hipótesis que se había formulado al inicio del proyecto. O quizás no se ha podido contestar, pero te das cuenta de que has contestado otra pregunta. El proceso de comprensión de un proyecto acaba cuando se explican los resultados a otra persona, al hacerlo comprensible.
Los experimentos erróneos muchas veces aportan más a la ciencia que los que tienen éxito. El saber determinar en qué medida es una fallo técnico o metodológico, o una realidad biológica que es como es y no coincide con lo que se esperaba, es muy importante. La vida del científico es de frustración constante y el error es un reto y un acicate para seguir.
Referencias
Dierssen, Mara (s.d.) Entrevista Mara Dierssen. Grid Spinoza. Disponible en https://www.gridspinoza.net/resources/entrevista-mara-dierssen
García, Dora (s.d.) Entrevista Dora García. Grid Spinoza. Disponible en https://www.gridspinoza.net/resources/entrevista-dora-garcia
Sallarès, Mireia (2017) Knowing, doing, understanding #1. CCCB. Disponible en https://www.cccb.org/en/multimedia/videos/mireia-sallares/226667
Sallarès, Mireia (s.d.) Entrevista Mireia Sallarès. Grid Spinoza. Disponible en https://www.gridspinoza.net/resources/entrevista-mireia-sallares